Plataforma que va néixer amb la intenció de donar veu a articulistes i autors de còmic principalment en català. Seguim oberts a noves col.laboracions.
28 de novembre, 2005
27 de novembre, 2005
25 de novembre, 2005
La canción del viernes (9) “Biko” de Peter Gabriel per Peix
Feliz viernes,
Toda canción quiere transmitir un discurso, evocar paisajes y emociones. Habrá misivas más o menos interesantes, pero el autor desea, y debe, transformar la realidad aportando su obra, su punto de vista. Los mensajes de las canciones pueden ser complejos y sugerentes, o tal vez divertidos y banales, a partir de aquí, barra libre; cada artista decide. Hoy nos sumergimos en la canción-denuncia. Los versos, de este tema de Peter Gabriel, exceden las fronteras del placer musical para plantearnos una cruda revelación de la verdad; para comprometerse políticamente con un momento. Esta valentía, que muchos otros esgrimieron antes y después, se desencadena con estremecedora contundencia en este himno africano.
El tema narra los hechos que produjeron el asesinato de Stephen Bantu Biko. Activista político y co-fundador del Movimiento de Conciencia Negra (BCM), fue detenido por la policía en diversas ocasiones hasta que, el 12 septiembre de 1.977, falleciera a golpes en una prisión sudafricana. Convirtiéndose, de esta manera, en uno de los muchos mártires de la causa anti-Apartheid. Esta política inhumana, que el gobierno de Sudáfrica ejecutó hasta 1.990, produjo una de las tantas y salvajes segregaciones raciales del continente africano. Por fin, en 1.997, cinco agentes de policía reconocieron, ante la Comisión de la Verdad y Reconciliación, haber cometido el asesinato de Stephen Biko. Las súplicas por la justicia y la verdad de este horroroso crimen nunca dejaron de escucharse en el país de los asesinatos en la sombra y las desapariciones arbitrarias.
La canción se incluye en el magnífico tercer larga duración de Peter Gabriel en 1.980. La carrera en solitario de este músico nacido en Londres, se inicia a finales de los setenta después de haber abandonado la legendaria formación de Genesis. Con ella había había compuesto algunas de las obras más reconocidas de la música contemporánea. Entre ellas podemos destacar: “Selling England by the pound” y “The lamb lies down on Broadway”. Con su emancipación llegó la libertad necesaria para plasmar sus inquietudes musicales.
Se caracterizó por ser un insaciable explorador de nuevos sonidos y ritmos, elaboró, junto a los arriesgados Robert Fripp y Bob Ezrin, auténticas joyas de la música rock. Este tercer disco, descartado en la industria norteamericana por considerarlo un “suicidio comercial”, ponía las bases de lo que deberían ser sus más grandes éxitos de público y critica: “So” y “Us”. Gabriel se comprometió con causas sociales y críticas, colaboró con Amnistía Internacional y fundó el Festival WOMAD (World of Music and Dance), para exponer, a través de la música y la danza, la riqueza cultural del planeta. “Biko” forma parte de la banda sonora de nuestras vidas. Como una luz que se resiste a desfallecer y una llama que se dilata, poco a poco, en nuestras conciencias.
Toda canción quiere transmitir un discurso, evocar paisajes y emociones. Habrá misivas más o menos interesantes, pero el autor desea, y debe, transformar la realidad aportando su obra, su punto de vista. Los mensajes de las canciones pueden ser complejos y sugerentes, o tal vez divertidos y banales, a partir de aquí, barra libre; cada artista decide. Hoy nos sumergimos en la canción-denuncia. Los versos, de este tema de Peter Gabriel, exceden las fronteras del placer musical para plantearnos una cruda revelación de la verdad; para comprometerse políticamente con un momento. Esta valentía, que muchos otros esgrimieron antes y después, se desencadena con estremecedora contundencia en este himno africano.
El tema narra los hechos que produjeron el asesinato de Stephen Bantu Biko. Activista político y co-fundador del Movimiento de Conciencia Negra (BCM), fue detenido por la policía en diversas ocasiones hasta que, el 12 septiembre de 1.977, falleciera a golpes en una prisión sudafricana. Convirtiéndose, de esta manera, en uno de los muchos mártires de la causa anti-Apartheid. Esta política inhumana, que el gobierno de Sudáfrica ejecutó hasta 1.990, produjo una de las tantas y salvajes segregaciones raciales del continente africano. Por fin, en 1.997, cinco agentes de policía reconocieron, ante la Comisión de la Verdad y Reconciliación, haber cometido el asesinato de Stephen Biko. Las súplicas por la justicia y la verdad de este horroroso crimen nunca dejaron de escucharse en el país de los asesinatos en la sombra y las desapariciones arbitrarias.La canción se incluye en el magnífico tercer larga duración de Peter Gabriel en 1.980. La carrera en solitario de este músico nacido en Londres, se inicia a finales de los setenta después de haber abandonado la legendaria formación de Genesis. Con ella había había compuesto algunas de las obras más reconocidas de la música contemporánea. Entre ellas podemos destacar: “Selling England by the pound” y “The lamb lies down on Broadway”. Con su emancipación llegó la libertad necesaria para plasmar sus inquietudes musicales.
Se caracterizó por ser un insaciable explorador de nuevos sonidos y ritmos, elaboró, junto a los arriesgados Robert Fripp y Bob Ezrin, auténticas joyas de la música rock. Este tercer disco, descartado en la industria norteamericana por considerarlo un “suicidio comercial”, ponía las bases de lo que deberían ser sus más grandes éxitos de público y critica: “So” y “Us”. Gabriel se comprometió con causas sociales y críticas, colaboró con Amnistía Internacional y fundó el Festival WOMAD (World of Music and Dance), para exponer, a través de la música y la danza, la riqueza cultural del planeta. “Biko” forma parte de la banda sonora de nuestras vidas. Como una luz que se resiste a desfallecer y una llama que se dilata, poco a poco, en nuestras conciencias.
24 de novembre, 2005
El Subterrani (2) "El pensament blog: un elogi" per Pep Garrido
El blog prolifera pertot.
És un sistema fàcil de concebre, confortable de parir i de mantenir, i, certament, sovint dificultós per a que el visitant s’hi orienti. Respecte a la web, perd en hipertextualitat tot allò que guanya en comoditat i en acumulació directa de continguts. Cert és que els plantejaments s’han sofisticat molt, i que ara es fa difícil parlar de blogs i prou; parlem d’híbrids, de blogs awebats o webs ablogades. Però l’essència del blog, aquest continu vertical de continguts que corre ininterrompudament, que tant ha fet per la democratització de la lliure expressió de l’usuari, és allà, i s’amolla a qualsevol proposta: diaris personals, plataformes d’opinió, targeta de visita de tota mena de col·lectius...
Em vénen al cap aquells antics paisatges teatrals que es feien córrer fent giravoltar una palanca per donar la il·lusió de moviment. I Jack Kerouac, que, segons diuen, posava un rotlle de paper en blanc a la seva màquina d’escriure i, torrencialment, començava a generar aquella prosa tan explosiva i tan seva, més a prop del jazz que de l’alta literatura; si s’acabava el rotlle, s’acabava la novel·la. O el vell Hegel, per a qui la Història era una substància que es desplega damunt d’ella mateixa com si d’una llarga i roja catifa imperial es tractés. Encara avui se li diu rol a la manera en què passen els títols de crèdit al final d’una pel·lícula. ¡Sensibilitat blog!
Tot plegat em fa somriure, a mi. No només perquè sento una gran simpatia per les acumulacions (sobretot de roba bruta), sinó perquè delata tota una manera d’entendre la vida i l’expressió. La cascada de paraules enfront l’estructura d’un diccionari; el fluid ininterromput i en perpetu creixement enfront els principis i finals acadèmics que tota bona novel·la hauria de tenir. Potser sí que es fa difícil orientar-s’hi en aquesta jungla vertical de paraules que és el blog, però no importa massa. En un blog no hi busques pas res; més aviat t’hi passeges i et deixes sorprendre.
I, posats a cercar imatges més o menys cilíndriques que poguessin fer-li al blog d’avantpassats de fet, per La Universal triaria el calidoscopi. Un de policrom, que gira i gira, i a cada volta mostra una nova combinació impossible, un nou camí, un nou racó.
22 de novembre, 2005
21 de novembre, 2005
19 de novembre, 2005
18 de novembre, 2005
La canción del viernes (8) “A love supreme: Aknowledgement” de John Coltrane per Peix
¡Feliz viernes!
Para muchos, el jazz es una música hecha para unos pocos; “delicatessens” de intelectuales. Cierto es que este estilo ha flirteado asiduamente con las élites culturales, apartándose de la música popular, en el devenir de su historia, pero no es el coto privado de ningún sibarita. No voy a disertar sobre lo bueno y lo malo del término “popular”, pero si que intentaré rescatar al jazz de este malentendido restrictivo. Basado, en principio, por el uso de la improvisación y las síncopas rítmicas, este estilo musical está en constante evolución y ofreciendo las más diversas posibilidades a nuestros ansiosos oídos. Capaz de saciar diversos paladares, el jazz es una música imaginativa. Que procura al músico el paisaje definitivo para su creación, para inventar su propio camino. Sus aportaciones e influencias al mundo del pentagrama son inigualables e inabastables. Su capacidad para entremezclarse con cualquier estilo musical, ha sido un signo de identidad propia y una fuente de modernidad y vanguardismo. Desde King Oliver hasta Wynston Marsalis, una inmensa lista de grandes artistas han revolucionado, una y otra vez, la historia de este género para nuestro regocijo.
Y para iniciar a los no iniciados, recomendamos, y esto no es fácil entre tanta oferta, un tema del genial John Coltrane. “A love supreme” es su obra más recordada y, seguramente, su creación culminante. De sentido espiritual, este LP explica lo inexplicable. En cada una de sus notas esconde la estremecedora presencia de Dios, convirtiéndose a la fin, en un verdadero homenaje al “rey” de la creación. Parapetado por una suite de cuatro movimientos, Coltrane sacude las emociones del oyente con la ayuda de McCoy Tynner al piano, Jimmy Garrison al bajo y Elvin Jones a la batería. A veces violento, a veces sublime y emotivo, el sonido de este disco ha dejado para la posteridad uno de los mejores momentos del jazz.
El álbum aparece a finales de 1.964 publicado por el sello Impulse. Es recordado como una de las obras cumbre en la historia del jazz. John Coltrane llega a él después de una carrera brillante y elogiada. Comenzó tocando en diversos clubes del sur de Estados Unidos hasta que recaló en la banda de Dizzy Gillispie. Con él estuvo hasta la disolución del grupo a mediados de 1.950. Más tarde, en el verano de 1.955, Miles Davis contacta con él para que se una a su banda; buscaba una nueva formación para dar salida a todas las ideas que su cocina neuronal había estado proyectando. De aquella increíble comunión de músicos nació el disco más influyente del siempre inquieto Davis, “Kind of blue”, inaugurando de esta manera lo que se bautizó como el jazz modal. Después de varias colaboraciones con el astro de St.Louis, Coltrane toca con otros grandes del jazz y compone más de sesenta discos. Su forma de hacer sonar el saxo ha sido loada y glorificada. Fraguando un estilo propio y maravilloso, sus maneras crearon escuela; todos los saxofonistas sueñan con tocar como John Coltrane. El aclamado autor falleció, a causa de un cáncer de hígado, el 17 de julio de 1.967 en Nueva York. Su música y obra son hoy una leyenda imborrable.
Para muchos, el jazz es una música hecha para unos pocos; “delicatessens” de intelectuales. Cierto es que este estilo ha flirteado asiduamente con las élites culturales, apartándose de la música popular, en el devenir de su historia, pero no es el coto privado de ningún sibarita. No voy a disertar sobre lo bueno y lo malo del término “popular”, pero si que intentaré rescatar al jazz de este malentendido restrictivo. Basado, en principio, por el uso de la improvisación y las síncopas rítmicas, este estilo musical está en constante evolución y ofreciendo las más diversas posibilidades a nuestros ansiosos oídos. Capaz de saciar diversos paladares, el jazz es una música imaginativa. Que procura al músico el paisaje definitivo para su creación, para inventar su propio camino. Sus aportaciones e influencias al mundo del pentagrama son inigualables e inabastables. Su capacidad para entremezclarse con cualquier estilo musical, ha sido un signo de identidad propia y una fuente de modernidad y vanguardismo. Desde King Oliver hasta Wynston Marsalis, una inmensa lista de grandes artistas han revolucionado, una y otra vez, la historia de este género para nuestro regocijo.
Y para iniciar a los no iniciados, recomendamos, y esto no es fácil entre tanta oferta, un tema del genial John Coltrane. “A love supreme” es su obra más recordada y, seguramente, su creación culminante. De sentido espiritual, este LP explica lo inexplicable. En cada una de sus notas esconde la estremecedora presencia de Dios, convirtiéndose a la fin, en un verdadero homenaje al “rey” de la creación. Parapetado por una suite de cuatro movimientos, Coltrane sacude las emociones del oyente con la ayuda de McCoy Tynner al piano, Jimmy Garrison al bajo y Elvin Jones a la batería. A veces violento, a veces sublime y emotivo, el sonido de este disco ha dejado para la posteridad uno de los mejores momentos del jazz.
El álbum aparece a finales de 1.964 publicado por el sello Impulse. Es recordado como una de las obras cumbre en la historia del jazz. John Coltrane llega a él después de una carrera brillante y elogiada. Comenzó tocando en diversos clubes del sur de Estados Unidos hasta que recaló en la banda de Dizzy Gillispie. Con él estuvo hasta la disolución del grupo a mediados de 1.950. Más tarde, en el verano de 1.955, Miles Davis contacta con él para que se una a su banda; buscaba una nueva formación para dar salida a todas las ideas que su cocina neuronal había estado proyectando. De aquella increíble comunión de músicos nació el disco más influyente del siempre inquieto Davis, “Kind of blue”, inaugurando de esta manera lo que se bautizó como el jazz modal. Después de varias colaboraciones con el astro de St.Louis, Coltrane toca con otros grandes del jazz y compone más de sesenta discos. Su forma de hacer sonar el saxo ha sido loada y glorificada. Fraguando un estilo propio y maravilloso, sus maneras crearon escuela; todos los saxofonistas sueñan con tocar como John Coltrane. El aclamado autor falleció, a causa de un cáncer de hígado, el 17 de julio de 1.967 en Nueva York. Su música y obra son hoy una leyenda imborrable.
14 de novembre, 2005
11 de novembre, 2005
La canción del viernes (7) “Te echo de menos” de Kiko Veneno per Peix
¡Feliz viernes!
El amor, y no exagero, es el tema del 88% de las canciones rock y pop que se han compuesto en este peculiar planeta. Es tan alto el valor de esta emoción, que abnega con su insultante poderío las musas que inspiran a nuestros maquiavélicos autores. Su presencia en nuestras vidas es tal, que seguramente me atrevería a decir no hay nada más esencial; nada más grande. Algo tendrá aquello que nos sacude como un latigazo de corriente alterna. Aquella sensación que nos quita el sueño, que nos impide pensar con claridad, que perturba emocionalmente incluso al más devoto del celibato. Aquella deliciosa impresión, que hace elevar nuestros pies por encima de la corteza terrestre, invitándonos a entrar, con billete de ida y vuelta, en el edén de los placeres prohibidos. Una cuestión está meridianamente clara, por más que podamos afirmar que no hay nada que se pueda dar por seguro, el amor es el motor de nuestras vidas; proporcionándonos aquello que es necesario para el devenir de nuestras insignificantes existencias. La humanidad ama, si no ama no es humanidad.
Escoger una canción que habla del amor es, por tanto, escrupulosamente difícil. Con el permiso del maestro Sabina, yo me inclino por un fabuloso tema del gran Kiko Veneno. “Te echo de menos” es , posiblemente, una de las obras que mejor ha sabido parafrasear la nostalgia por una relación pasada. Una mirada atrás, después de un arrebato de libertad, nos puede herir como jamás antes lo haya hecho otra circunstancia, y los versos de Kiko están allá, para cantarnóslo con la claridad de la luz de la mañana. Los pequeños detalles de los amantes, esas irresistibles confidencias que entretejen la vida en pareja, són como una testigo martilleante en nuestra memoria. Una memoria, que si por algo se caracteriza es por su pertinaz empeño en fijarse, únicamente, en los buenos momentos. No somos perfectos, por eso formamos parte del andrajoso género humano, y tenemos de rendirnos ante la salvaje evidencia: con alarmante asiduidad, los recuerdos aparecen para hacernos entender que, de nuevo, nos hemos equivocado.
Este tema se escucha por primera vez en su LP “Échate un cantecito” de 1.992. Acompañado por multitud de éxitos, le hace sellar un contrato envenenado con el diablo. RCA-BMG tortura al genio del flamenco-rock por diez años y cinco discos. Ninguneado por su obra y apartado de las promociones por su poca “afinidad” con lo establecido, Kiko Veneno pasa por un tormento espiritual y musical hasta que rompe las cadenas que lo anclaban a la cárcel de los que aman la mediocridad. Después de más de veintiocho años en el mundo de la música, aparece, cual ave fénix que renace de sus cenizas, para publicar su último álbum de estudio: “El hombre invisible”. Muchas joyas nos ha dejado este amante del flamenco y la rumba nacido en Figueres, entre ellas destaca “Veneno”, el renacido trabajo de 1.977. Cocinado de forma magistral por él mismo, Rafael y Raimundo Amador, rompe los esquemas musicales de una época combulsa. Una obra maestra que muchos han señalado como el mejor disco de la historia de nuestro país. Pero este será otra tema para las canciones del viernes.
¡Salud y echaros un cantecito!
El amor, y no exagero, es el tema del 88% de las canciones rock y pop que se han compuesto en este peculiar planeta. Es tan alto el valor de esta emoción, que abnega con su insultante poderío las musas que inspiran a nuestros maquiavélicos autores. Su presencia en nuestras vidas es tal, que seguramente me atrevería a decir no hay nada más esencial; nada más grande. Algo tendrá aquello que nos sacude como un latigazo de corriente alterna. Aquella sensación que nos quita el sueño, que nos impide pensar con claridad, que perturba emocionalmente incluso al más devoto del celibato. Aquella deliciosa impresión, que hace elevar nuestros pies por encima de la corteza terrestre, invitándonos a entrar, con billete de ida y vuelta, en el edén de los placeres prohibidos. Una cuestión está meridianamente clara, por más que podamos afirmar que no hay nada que se pueda dar por seguro, el amor es el motor de nuestras vidas; proporcionándonos aquello que es necesario para el devenir de nuestras insignificantes existencias. La humanidad ama, si no ama no es humanidad.
Escoger una canción que habla del amor es, por tanto, escrupulosamente difícil. Con el permiso del maestro Sabina, yo me inclino por un fabuloso tema del gran Kiko Veneno. “Te echo de menos” es , posiblemente, una de las obras que mejor ha sabido parafrasear la nostalgia por una relación pasada. Una mirada atrás, después de un arrebato de libertad, nos puede herir como jamás antes lo haya hecho otra circunstancia, y los versos de Kiko están allá, para cantarnóslo con la claridad de la luz de la mañana. Los pequeños detalles de los amantes, esas irresistibles confidencias que entretejen la vida en pareja, són como una testigo martilleante en nuestra memoria. Una memoria, que si por algo se caracteriza es por su pertinaz empeño en fijarse, únicamente, en los buenos momentos. No somos perfectos, por eso formamos parte del andrajoso género humano, y tenemos de rendirnos ante la salvaje evidencia: con alarmante asiduidad, los recuerdos aparecen para hacernos entender que, de nuevo, nos hemos equivocado.
Este tema se escucha por primera vez en su LP “Échate un cantecito” de 1.992. Acompañado por multitud de éxitos, le hace sellar un contrato envenenado con el diablo. RCA-BMG tortura al genio del flamenco-rock por diez años y cinco discos. Ninguneado por su obra y apartado de las promociones por su poca “afinidad” con lo establecido, Kiko Veneno pasa por un tormento espiritual y musical hasta que rompe las cadenas que lo anclaban a la cárcel de los que aman la mediocridad. Después de más de veintiocho años en el mundo de la música, aparece, cual ave fénix que renace de sus cenizas, para publicar su último álbum de estudio: “El hombre invisible”. Muchas joyas nos ha dejado este amante del flamenco y la rumba nacido en Figueres, entre ellas destaca “Veneno”, el renacido trabajo de 1.977. Cocinado de forma magistral por él mismo, Rafael y Raimundo Amador, rompe los esquemas musicales de una época combulsa. Una obra maestra que muchos han señalado como el mejor disco de la historia de nuestro país. Pero este será otra tema para las canciones del viernes.
¡Salud y echaros un cantecito!
07 de novembre, 2005
Concurs (2) per Joan Santaló
Benvinguts a la segona edició del Concurs més fenomenal de interné:
"Adivina on cony està això". Un concurs molt fàcil d'organitzar (poses un nom de ciutat al Google i t'apareixen fotos a Imágenes, i punt) i molt difícil de guanyar. Ho sento però La Fama Cuesta...
El premi però val la pena.
Abans de convocar un nou concurs, cal donar la resposta correcta de l'anterior.
La ciutat que buscàveu era ÂRHUS, al bonic país de Dinamarca.
I convoquem el concurs de nou. Teniu dues setmanes de plaç fins que es tanqui el concurs.
Atenció: Aquest home de la foto està en un Parc Natural proper a una ciutat.
Com es diu aquesta ciutat? Una pista; és una ciutat per on passa un riu.
I el premi d'aquesta setmana pel primer que acerti la ciutat és una magnígica Action Figure d'un Obsessiu Compulsiu.
Molta sort per tots i a participar!
04 de novembre, 2005
La canción del viernes (6) “Forever young” de Alphaville per Peix
¡Feliz viernes!
Remitirnos a los ochenta cuando hablamos de música contemporánea siempre es peligroso. Muchos tópicos se han dicho y demasiada mierda se ha tirado encima de aquella prolífica época. Desde muchos sectores de opinión melómana se han vomitado pestes acerca del “techno-pop” y de la música de baile insulsa y facilona. Los ochenta han pasado a ser terreno prohibido por los puristas y a ser recordados y vilipendiados por la poca calidad de sus grupos emergentes. Claro está que nunca llueve a gusto de todos, pero desde esta sección querríamos recordar que no siempre hubo vulgaridad y se produjeron, efectivamente, grandes creaciones. Alumbrando entre tanta oscuridad, de seguida nos encontramos con la deliciosa canción que proponemos para hoy.
“Forever young” es posiblemente el mejor tema de Alphaville, el legendario grupo de “synth-pop” alemán fundado en el verano de 1.982. Sin poseer el recuerdo ni la presencia que adquirieron algunos compañeros de andanzas como OMD, Kraftwerk, Ultravox y otros, su música se manifiesta hoy, veinte años más tarde, como una excelente propuesta melódica. Esta misma canción dio nombre a su álbum de debut en 1.984, una pieza de coleccionista donde además destacan “Sounds like melody” y “Fallen angel”. “Forever young” es una canción épica y demoledora. Su instrumentalización adquiere una atmosfera etérea que envuelve magistralmente la sedosa voz de Marian Gold para culminar en unos pasajes finales estremecedores. Además de convertirse en el buque insignia de la banda, pasa a ser uno de los legados más impresionantes de aquella desprestigiada época
Si la semana pasada hablábamos de la superficialidad con la que se interesa esta sociedad, en demasía consumista, por la juventud; hoy recuperamos el debate pero desde otro punto de vista. Acompañados por la música de “Alphaville”, entramos en la esfera del espíritu. Donde el alma y el pensamiento engrandecen por encima de lo prescindible. Un canto a la vida y a su reinterpretación esperanzadora y positiva. Una canción vitalista y todo un himno a lo humano y terrenal. Donde lo joven se erige en bello, permanente y propositivo. Donde la juventud no es un coto privado y limitado a un tiempo, sino que se compromete con un discurso, se convierte en un testigo inmutable de nuestras experiencias.
Remitirnos a los ochenta cuando hablamos de música contemporánea siempre es peligroso. Muchos tópicos se han dicho y demasiada mierda se ha tirado encima de aquella prolífica época. Desde muchos sectores de opinión melómana se han vomitado pestes acerca del “techno-pop” y de la música de baile insulsa y facilona. Los ochenta han pasado a ser terreno prohibido por los puristas y a ser recordados y vilipendiados por la poca calidad de sus grupos emergentes. Claro está que nunca llueve a gusto de todos, pero desde esta sección querríamos recordar que no siempre hubo vulgaridad y se produjeron, efectivamente, grandes creaciones. Alumbrando entre tanta oscuridad, de seguida nos encontramos con la deliciosa canción que proponemos para hoy.
“Forever young” es posiblemente el mejor tema de Alphaville, el legendario grupo de “synth-pop” alemán fundado en el verano de 1.982. Sin poseer el recuerdo ni la presencia que adquirieron algunos compañeros de andanzas como OMD, Kraftwerk, Ultravox y otros, su música se manifiesta hoy, veinte años más tarde, como una excelente propuesta melódica. Esta misma canción dio nombre a su álbum de debut en 1.984, una pieza de coleccionista donde además destacan “Sounds like melody” y “Fallen angel”. “Forever young” es una canción épica y demoledora. Su instrumentalización adquiere una atmosfera etérea que envuelve magistralmente la sedosa voz de Marian Gold para culminar en unos pasajes finales estremecedores. Además de convertirse en el buque insignia de la banda, pasa a ser uno de los legados más impresionantes de aquella desprestigiada época
Si la semana pasada hablábamos de la superficialidad con la que se interesa esta sociedad, en demasía consumista, por la juventud; hoy recuperamos el debate pero desde otro punto de vista. Acompañados por la música de “Alphaville”, entramos en la esfera del espíritu. Donde el alma y el pensamiento engrandecen por encima de lo prescindible. Un canto a la vida y a su reinterpretación esperanzadora y positiva. Una canción vitalista y todo un himno a lo humano y terrenal. Donde lo joven se erige en bello, permanente y propositivo. Donde la juventud no es un coto privado y limitado a un tiempo, sino que se compromete con un discurso, se convierte en un testigo inmutable de nuestras experiencias.
02 de novembre, 2005
01 de novembre, 2005
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